Artes visuales

Identidades italianas. La Colección Farnesina | Farnesina Identità Italiane. La Collezione Farnesina

¿Cómo ha cambiado el arte italiano desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros días? ¿Qué lenguajes, sensibilidades y transformaciones han definido su identidad a lo largo de más de 70 años?
Identidades italianas. La Colección Farnesina, curada por Ludovico Pratesi, propone un recorrido por la evolución del arte italiano desde la segunda posguerra hasta la actualidad a través de una selección de obras pertenecientes a la Colección Farnesina, la colección de arte contemporáneo del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación Internacional de Italia.
La exposición reúne diferentes generaciones y lenguajes artísticos para ofrecer una mirada plural sobre la creatividad italiana y sus transformaciones. Pintura, escultura, fotografía y otras formas de experimentación visual trazan un itinerario que atraviesa algunas de las principales experiencias del arte italiano contemporáneo, mostrando una escena en constante evolución y siempre abierta al diálogo con su tiempo.
Presentada en el Museo Cabañas, uno de los lugares emblemáticos de la cultura mexicana y Patrimonio Mundial de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco, por sus siglas en inglés), la exposición adquiere una dimensión especialmente significativa. Las obras de la Colección Farnesina entran aquí en diálogo con un espacio profundamente vinculado a la historia y la identidad cultural de México, creando un encuentro entre dos tradiciones artísticas que han hecho del arte un instrumento privilegiado para interpretar la sociedad y sus transformaciones.
Más que una historia lineal, Identidades italianas propone una constelación de miradas, generaciones y experiencias. El propio título de la exposición habla de una identidad en plural: diversa, dinámica, abierta y en permanente construcción.
Un viaje por más de siete décadas de creatividad italiana y una oportunidad para descubrir, en el corazón de Guadalajara, las múltiples identidades de un arte que continúa interrogando y reinventando el presente.

Come è cambiata l'arte italiana dalla fine della Seconda guerra mondiale a oggi? Quali linguaggi, sensibilità e trasformazioni ne hanno definito l'identità nel corso di oltre settant'anni?
Identità Italiane. La Collezione Farnesina, a cura di Ludovico Pratesi, propone un percorso attraverso l'evoluzione dell'arte italiana dal secondo dopoguerra ai nostri giorni, presentando una selezione di opere appartenenti alla Collezione Farnesina, la raccolta d'arte contemporanea del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale.
La mostra riunisce generazioni e linguaggi artistici differenti per offrire uno sguardo plurale sulla creatività italiana e sulle sue trasformazioni. Pittura, scultura, fotografia e altre forme di sperimentazione visiva compongono un itinerario che attraversa alcune delle principali esperienze dell'arte italiana contemporanea, restituendo l'immagine di una scena in continua evoluzione e sempre aperta al dialogo con il proprio tempo.
Allestita al Museo Cabañas, uno dei luoghi simbolo della cultura messicana e Patrimonio Mondiale dell'UNESCO, la mostra assume un significato particolare. Le opere della Collezione Farnesina entrano qui in dialogo con uno spazio profondamente legato alla storia e all'identità culturale del Messico, dando vita a un incontro tra due tradizioni artistiche che hanno fatto dell'arte uno strumento privilegiato per interpretare la società e le sue trasformazioni.
Più che una storia lineare, Identità Italiane propone una costellazione di sguardi, generazioni ed esperienze. Il titolo stesso della mostra parla di un'identità al plurale: diversa, dinamica, aperta e in continua costruzione.
Un viaggio attraverso oltre sette decenni di creatività italiana e un'occasione per scoprire, nel cuore di Guadalajara, le molteplici identità di un'arte che continua a interrogare e reinventare il presente.

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Etruscos. La forma y la materia | Etruschi. La forma e la materia

¿Quiénes fueron realmente los etruscos? Una de las civilizaciones más fascinantes del Mediterráneo antiguo sigue interrogándonos por medio de las imágenes, los objetos y las obras que dejó como legado. Etruscos. La forma y la materia invita al público a entrar en su mundo siguiendo un recorrido original: descubrir una sociedad a través de la extraordinaria capacidad de sus artistas y artesanos para transformar la materia en imágenes, símbolos y relatos.
Más de 70 obras procedentes de importantes museos y parques arqueológicos italianos acompañan al visitante en un viaje de casi siete siglos, desde la Edad del Hierro hasta la progresiva integración de Etruria en el mundo romano. Figuras humanas y animales fantásticos, esculturas funerarias, bronces, terracotas votivas, decoraciones de templos, objetos de la vida cotidiana y retratos narran la continua evolución de una civilización abierta a los encuentros y los intercambios.
La exposición revela un Mediterráneo antiguo sorprendentemente dinámico, atravesado por personas, ideas, técnicas y modelos culturales. En contacto con Grecia, Asia Menor y otras civilizaciones mediterráneas, los etruscos no se limitaron a recibir influencias externas: las reinterpretaron con originalidad, creando un lenguaje artístico inconfundible.
En el centro del recorrido está la materia: piedra, terracota, bronce y materiales preciosos transformados por generaciones de artesanos. Observar estas obras significa seguir la evolución de la sociedad etrusca, el surgimiento de las élites, la representación del poder, la relación con los dioses y con la muerte, hasta el encuentro con Roma y la aparición del retrato naturalista.
Una oportunidad excepcional para acercarse a una de las grandes civilizaciones de la Italia antigua y descubrir, a través de obras raramente expuestas al público, cómo la materia puede atravesar los siglos y seguir contando la historia de los seres humanos.

Chi erano davvero gli Etruschi? Una delle civiltà più affascinanti del Mediterraneo antico continua ancora oggi a interrogarci attraverso le immagini, gli oggetti e le opere che ha lasciato. Etruschi. La forma e la materia invita il pubblico a entrare nel loro mondo seguendo un percorso originale: scoprire una società attraverso la straordinaria capacità dei suoi artisti e artigiani di trasformare la materia in immagini, simboli e racconti.
Oltre settanta opere provenienti da importanti musei e parchi archeologici italiani accompagnano il visitatore in un viaggio di quasi sette secoli, dall’Età del Ferro alla progressiva integrazione dell’Etruria nel mondo romano. Figure umane e animali fantastici, sculture funerarie, bronzi, terrecotte votive, decorazioni templari, oggetti della vita quotidiana e ritratti raccontano la continua evoluzione di una civiltà aperta agli incontri e agli scambi.
La mostra rivela un Mediterraneo antico sorprendentemente dinamico, attraversato da persone, idee, tecniche e modelli culturali. Nei contatti con la Grecia, l’Asia Minore e le altre civiltà mediterranee, gli Etruschi non si limitarono a ricevere influenze esterne: le reinterpretarono con originalità, creando un linguaggio artistico inconfondibile.
Al centro del percorso c’è la materia: pietra, terracotta, bronzo e materiali preziosi plasmati da generazioni di artefici. Osservare queste opere significa seguire la trasformazione della società etrusca, la nascita delle élite, la rappresentazione del potere, il rapporto con gli dèi e con la morte, fino all’incontro con Roma e alla comparsa del ritratto naturalistico.
Un’occasione eccezionale per incontrare da vicino una delle grandi civiltà dell’Italia antica e scoprire, attraverso opere raramente esposte al pubblico, come la materia possa attraversare i secoli e continuare a raccontare la storia degli esseri umani.
 

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Pintura italiana hoy. Una nueva escena | Pittura Italiana oggi. Una nuova scena

¿Qué rostro tiene hoy la pintura italiana? ¿Qué imágenes, inquietudes y deseos atraviesan a una generación que creció en el nuevo milenio? Pintura italiana hoy. Una nueva escena invita al público a descubrir un panorama artístico sorprendentemente vital, a través de las obras de una nueva generación de artistas que está redefiniendo el significado mismo de pintar.
Curada por Damiano Gullì y nacida del proyecto homónimo presentado por Triennale Milano, la exposición reúne a autores nacidos entre 1990 y los primeros años del nuevo milenio, diversos por formación, procedencia y lenguaje. Sus obras componen un paisaje plural, atravesado por memorias personales y colectivas, cuerpos, paisajes, identidades, imaginarios digitales, mitologías y fragmentos de la vida cotidiana.
La tradición pictórica italiana sigue siendo un territorio con el cual dialogar, pero es continuamente interrogada, transformada y reinventada. Técnicas antiguas conviven con materiales inesperados; figuración y abstracción se contaminan; la pintura se encuentra con la escultura, la instalación y la arquitectura, supera los límites del lienzo y conquista el espacio.
No existe un estilo dominante ni una única dirección. Es precisamente esta libertad la que define una escena artística en movimiento, capaz de reflejar la complejidad del presente y construir nuevas formas de observar la realidad.
Visitar Pintura italiana hoy significa entrar en el taller ideal de una generación y encontrarse con Italia a través de los ojos de sus jóvenes artistas. Una Italia inquieta, curiosa, contradictoria y profundamente contemporánea, donde la pintura sigue siendo un extraordinario laboratorio de imágenes, ideas y posibilidades.

Che volto ha oggi la pittura italiana? Quali immagini, inquietudini e desideri attraversano una generazione cresciuta nel nuovo millennio? Pittura italiana oggi. Una nuova scena invita il pubblico a scoprire un panorama artistico sorprendentemente vitale, attraverso le opere di una nuova generazione di artiste e artisti che stanno ridefinendo il significato stesso del dipingere.
Curata da Damiano Gullì e nata dall’omonimo progetto presentato da Triennale Milano, la mostra riunisce autori nati tra il 1990 e i primi anni Duemila, diversi per formazione, provenienza e linguaggio. Le loro opere compongono un paesaggio plurale, attraversato da memorie personali e collettive, corpi, paesaggi, identità, immaginari digitali, mitologie e frammenti della vita quotidiana.
La tradizione pittorica italiana rimane un territorio con cui confrontarsi, ma viene continuamente interrogata, trasformata e reinventata. Tecniche antiche convivono con materiali inattesi; figurazione e astrazione si contaminano; la pittura incontra la scultura, l’installazione e l’architettura, supera i confini della tela e conquista lo spazio.
Non esiste uno stile dominante né un’unica direzione. È proprio questa libertà a definire una scena artistica in movimento, capace di riflettere la complessità del presente e di costruire nuovi modi di osservare la realtà.
Visitare Pittura italiana oggi significa entrare nell’atelier ideale di una generazione e incontrare l’Italia attraverso gli occhi dei suoi giovani artisti. Un’Italia inquieta, curiosa, contraddittoria e profondamente contemporanea, dove la pittura continua a essere uno straordinario laboratorio di immagini, idee e possibilità.

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Caravaggio y su tiempo. Entre naturalismo y clasicismo | Caravaggio e il suo tempo. Tra naturalismo e classicismo

Una luz que emerge de la oscuridad. Rostros y cuerpos que parecen irrumpir en el espacio del espectador. Gestos, miradas y emociones capturados con una intensidad sorprendentemente moderna. La revolución pictórica de Michelangelo Merisi da Caravaggio transformó para siempre la manera de representar la realidad, y dejó una profunda huella en el arte europeo del siglo XVII.
Caravaggio llevó a la pintura una mirada radicalmente nueva. Frente a la idealización, eligió la realidad; frente a las figuras distantes, cuerpos de poderosa presencia física; frente a una luz uniforme, un claroscuro dramático capaz de convertir cada escena en un instante de extraordinaria tensión. Sus personajes parecen vivir ante nuestros ojos y sus composiciones acercan al espectador a la acción, creando imágenes de una fuerza visual y emocional que, más de cuatro siglos después, sigue resultando asombrosamente contemporánea. 
Curada por Pierluigi Carofano, la exposición propone un recorrido por el universo de Caravaggio y por el extraordinario fenómeno artístico que nació a partir de su obra: el caravaggismo. Desde sus primeras experiencias pictóricas, la muestra permite acercarse a algunos de los elementos que hicieron inconfundible su lenguaje: la observación directa de la realidad, la teatralidad de la luz, la intensidad psicológica de los personajes y la tensión dramática de las escenas.
Pero la revolución de Caravaggio no terminó con él. Su manera de pintar se difundió rápidamente, fue interpretada y transformada por artistas de distintas procedencias y dio origen a uno de los fenómenos más fascinantes de la pintura europea. Junto a obras referidas al maestro, el recorrido presenta pinturas de importantes protagonistas de su tiempo y seguidores de su lenguaje, entre ellos Orazio Gentileschi, Bartolomeo Manfredi, Battistello Caracciolo, Gerrit van Honthorst, Artemisia Gentileschi, Pedro Núñez del Valle y Tommaso Salini. Naturalismo y clasicismo, realidad e ideal, luz y oscuridad se encuentran así en una época de extraordinaria riqueza artística. 
Más que el retrato de un genio aislado, la exposición reconstruye una red de influencias, encuentros y reinterpretaciones que atravesó Italia y Europa, revelando la fuerza de un lenguaje capaz de superar escuelas y fronteras.
Un viaje entre luces y sombras al corazón de una revolución que cambió para siempre nuestra manera de mirar la pintura.

Una luce che emerge dall'oscurità. Volti e corpi che sembrano irrompere nello spazio dello spettatore. Gesti, sguardi ed emozioni catturati con un'intensità sorprendentemente moderna. La rivoluzione pittorica di Michelangelo Merisi da Caravaggio trasformò per sempre il modo di rappresentare la realtà e lasciò un segno profondo nell'arte europea del Seicento.
Caravaggio portò nella pittura uno sguardo radicalmente nuovo. All'idealizzazione preferì la realtà; alle figure distanti, corpi dalla potente presenza fisica; a una luce uniforme, un chiaroscuro drammatico capace di trasformare ogni scena in un momento di straordinaria tensione. I suoi personaggi sembrano vivere davanti ai nostri occhi e le sue composizioni trascinano lo spettatore dentro l'azione, creando immagini di una forza visiva ed emotiva che, a oltre quattro secoli di distanza, appare ancora sorprendentemente contemporanea. 
Curata da Pierluigi Carofano, la mostra propone un percorso nell'universo di Caravaggio e nello straordinario fenomeno artistico nato dalla sua opera: il caravaggismo. A partire dalle prime esperienze pittoriche, il percorso permette di avvicinarsi ad alcuni degli elementi che resero inconfondibile il suo linguaggio: l'osservazione diretta della realtà, la teatralità della luce, l'intensità psicologica dei personaggi e la tensione drammatica delle scene.
Ma la rivoluzione di Caravaggio non si esaurì con lui. Il suo modo di dipingere si diffuse rapidamente, venne interpretato e trasformato da artisti di diversa provenienza e diede origine a uno dei fenomeni più affascinanti della pittura europea. Accanto alle opere riferite al maestro, il percorso presenta dipinti di importanti protagonisti del suo tempo e interpreti della sua lezione, tra cui Orazio Gentileschi, Bartolomeo Manfredi, Battistello Caracciolo, Gerrit van Honthorst, Artemisia Gentileschi, Pedro Núñez del Valle e Tommaso Salini. Naturalismo e classicismo, realtà e ideale, luce e oscurità si incontrano così in una stagione di straordinaria ricchezza artistica. 
Più che il ritratto di un genio isolato, la mostra ricostruisce una rete di influenze, incontri e reinterpretazioni che attraversò l'Italia e l'Europa, rivelando la forza di un linguaggio capace di superare scuole e confini.
Un viaggio tra luce e ombra nel cuore di una rivoluzione che ha cambiato per sempre il nostro modo di guardare la pittura.

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Connect-it. Visiones para conectar el mundo | Connect-it. Visioni per connettere il mondo

Puentes, túneles, estaciones, rascacielos, sistemas de transporte: las infraestructuras forman parte de nuestra vida cotidiana, pero rara vez nos detenemos a observarlas. Connect-it. Visiones para conectar el mundo invita a descubrirlas desde una perspectiva nueva, no solo como grandes obras de ingeniería, sino como espacios capaces de unir personas, ciudades, paisajes y culturas.
La exposición, curada por Spazio Taverna, pone el foco en las conexiones reales, aquellas que hacen posible el movimiento de personas y bienes y que, contribuyen al desarrollo económico y social de los países. A través de una selección de obras construidas o restauradas en Italia durante la última década, así como de importantes proyectos realizados por empresas italianas en distintas partes del mundo, Connect-it presenta la excelencia y la capacidad visionaria de la escuela italiana de ingeniería. 
El recorrido se articula en seis cápsulas inmersivas. Cinco de ellas exploran distintos temas —paisaje, ciudades, historia, patrimonio y fronteras— mientras una sexta abre la mirada hacia las infraestructuras realizadas por empresas italianas más allá de las fronteras nacionales. 
Dentro de cada cápsula, fotografía, literatura, sonido y video se entrelazan para transformar la visita en una experiencia multisensorial. Las imágenes de Luca Campigotto, los relatos inéditos de Emanuele Trevi, el diseño sonoro de Michelangelo Lupone y las proyecciones de Gabriele Gianni, bajo la curaduría científica de Tullia Lori, ofrecen diferentes miradas sobre el valor humano, cultural y simbólico de las infraestructuras. 
Connect-it invita así a mirar de nuevo aquello que conecta el mundo: obras que cruzan montañas y ciudades, dialogan con la historia y transforman el paisaje.
Un viaje entre ingeniería, imaginación y futuro para descubrir cómo Italia construye conexiones capaces de acercar el mundo.

Ponti, tunnel, stazioni, grattacieli, sistemi di trasporto: le infrastrutture fanno parte della nostra vita quotidiana, ma raramente ci fermiamo a osservarle. Connect-it. Visioni per connettere il mondo invita a scoprirle da una prospettiva nuova, non soltanto come grandi opere di ingegneria, ma come spazi capaci di unire persone, città, paesaggi e culture.
Curata da Spazio Taverna, la mostra pone al centro le connessioni reali, quelle che rendono possibile il movimento di persone e merci e contribuiscono allo sviluppo economico e sociale dei Paesi. Attraverso una selezione di opere realizzate o restaurate in Italia nell’ultimo decennio e di importanti progetti costruiti da imprese italiane in diverse parti del mondo, Connect-it racconta l’eccellenza e la capacità visionaria della scuola italiana di ingegneria. 
Il percorso si articola in sei capsule immersive. Cinque esplorano altrettanti grandi temi — paesaggio, città, storia, patrimonio e confini — mentre una sesta amplia lo sguardo alle infrastrutture realizzate dalle imprese italiane oltre i confini nazionali. 
All’interno di ciascuna capsula, fotografia, letteratura, suono e video si intrecciano trasformando la visita in un’esperienza multisensoriale. Le immagini di Luca Campigotto, i racconti inediti di Emanuele Trevi, il paesaggio sonoro di Michelangelo Lupone e le proiezioni di Gabriele Gianni, sotto la curatela scientifica di Tullia Iori, offrono sguardi diversi sul valore umano, culturale e simbolico delle infrastrutture. 
Connect-it invita così a guardare con occhi nuovi ciò che connette il mondo: opere che attraversano montagne e città, dialogano con la storia e trasformano il paesaggio.
Un viaggio tra ingegneria, immaginazione e futuro, per scoprire come l’Italia costruisce connessioni capaci di avvicinare il mondo.

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Italia en movimiento. Autopistas y futuro | Italia in movimento. Autostrade e futuro

¿Es posible contar la historia de un país a través de sus autopistas? Italia en movimiento. Autopistas y futuro propone un viaje sorprendente por un siglo de transformaciones italianas, al explorar la relación entre infraestructura, arquitectura, paisaje, sociedad e innovación.
La exposición nace con motivo del centenario de la inauguración, en 1924, de la Autostrada dei Laghi, el primer tramo de autopista construido en Italia. A partir de ese momento, la red de autopistas acompañó y, en muchos casos, anticipó la modernización del país: conectó ciudades y territorios, transformó la manera de viajar, impulsó el desarrollo económico y el turismo, y modificó profundamente la percepción del paisaje y las distancias. 
Por medio de cuatro grandes ejes —red, viaje, paisaje, tecnología y futuro—, la muestra recorre esta historia mediante documentos e imágenes de archivo, proyectos de arquitectura, fotografías y contenidos multimedia. Las espectaculares imágenes aéreas del reconocido fotógrafo neerlandés Iwan Baan ofrecen una mirada inédita sobre el encuentro, a veces armonioso y otras veces radical, entre las autopistas y el territorio italiano; mientras que las evocadoras ilustraciones de Emiliano Ponzi abren la mirada hacia los escenarios de la movilidad del futuro. 
De los grandes proyectos de ingeniería y arquitectura del siglo XX a los desafíos contemporáneos de la sostenibilidad, la seguridad y las nuevas tecnologías, Italia en movimiento invita al visitante a descubrir las autopistas desde una perspectiva inesperada: no solo como vías para llegar a un destino, sino como lugares desde los cuales observar la evolución de un país.
Un recorrido por la Italia que viaja, se transforma y mira hacia el futuro.

È possibile raccontare la storia di un Paese attraverso le sue autostrade? Italia in movimento. Autostrade e futuro propone un viaggio sorprendente attraverso un secolo di trasformazioni italiane, esplorando il rapporto tra infrastrutture, architettura, paesaggio, società e innovazione.
La mostra nasce in occasione del centenario dell’inaugurazione, nel 1924, dell’Autostrada dei Laghi, il primo tratto autostradale costruito in Italia. Da allora, la rete autostradale ha accompagnato e, in molti casi, anticipato la modernizzazione del Paese: ha collegato città e territori, trasformato il modo di viaggiare, favorito lo sviluppo economico e il turismo e modificato profondamente la percezione del paesaggio e delle distanze. 
Attraverso quattro grandi sezioni — rete, viaggio, paesaggio, tecnologia e futuro — la mostra ripercorre questa storia attraverso documenti e immagini d’archivio, progetti di architettura, fotografie e contenuti multimediali. Le spettacolari immagini aeree del fotografo olandese Iwan Baan offrono uno sguardo inedito sull’incontro, talvolta armonioso e talvolta radicale, tra le autostrade e il territorio italiano, mentre le evocative illustrazioni di Emiliano Ponzi proiettano lo sguardo verso gli scenari della mobilità del futuro. 
Dai grandi progetti di ingegneria e architettura del Novecento alle sfide contemporanee della sostenibilità, della sicurezza e delle nuove tecnologie, Italia in movimento invita il visitatore a scoprire le autostrade da una prospettiva inaspettata: non soltanto come vie per raggiungere una destinazione, ma come luoghi privilegiati dai quali osservare l’evoluzione di un intero Paese.
Un viaggio attraverso l’Italia che si muove, si trasforma e guarda al futuro.

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Manuzio y la revolución del libro | Manuzio e la rivoluzione del libro

¿Cómo nació el libro tal como lo conocemos hoy? Mucho antes de los libros de bolsillo y de la lectura como placer cotidiano, un humanista y editor veneciano imaginó una nueva manera de acercar los textos a sus lectores. Su nombre era Aldo Manuzio y, desde la Venecia del Renacimiento, protagonizó una auténtica revolución que transformaría para siempre la historia de la edición y nuestra forma de leer.
La exposición Manuzio y la revolución del libro invita a descubrir la extraordinaria aventura intelectual y editorial de uno de los grandes innovadores de la cultura europea. Instalado en Venecia a finales del siglo XV, Manuzio se propuso recuperar, editar y difundir las grandes obras de la cultura clásica. En 1499 publicó la célebre Hypnerotomachia Poliphili, considerada una de las obras maestras de la historia de la edición, y pocos años después comenzó a publicar a los clásicos en formatos pequeños y manejables, precursores del moderno libro de bolsillo. 
Pero su legado va mucho más allá. Desarrolló caracteres tipográficos de extraordinaria elegancia e introdujo el uso de la cursiva para sus ediciones portátiles. A Manuzio se deben también innovaciones que hoy forman parte de nuestra experiencia cotidiana de lectura: el frontispicio con el nombre del autor y el título de la obra, la marca editorial, la numeración de las páginas, los índices y la difusión de algunos signos de puntuación. Para él, un libro debía ser no solo útil y legible, sino también bello. 
A través de textos, imágenes, objetos y recursos multimedia e interactivos, la exposición recrea el universo de la imprenta y nos transporta al corazón del laboratorio editorial de Manuzio, en una Venecia convertida en la gran capital europea del libro.
Una invitación a redescubrir un objeto que cambió el mundo y al hombre que, hace más de 500 años, imaginó una idea sorprendentemente moderna: leer por el simple placer de leer.

Come nasce il libro così come lo conosciamo oggi? Molto prima dei tascabili e della lettura come piacere quotidiano, un umanista ed editore veneziano immaginò un modo nuovo di avvicinare i testi ai loro lettori. Il suo nome era Aldo Manuzio e, dalla Venezia del Rinascimento, fu protagonista di un'autentica rivoluzione destinata a trasformare per sempre la storia dell'editoria e il nostro modo di leggere.
La mostra Manuzio e la rivoluzione del libro ci invita a scoprire la straordinaria avventura intellettuale ed editoriale di uno dei grandi innovatori della cultura europea. Stabilitosi a Venezia alla fine del Quattrocento, Manuzio si propose di recuperare, pubblicare e diffondere le grandi opere della cultura classica. Nel 1499 diede alle stampe la celebre Hypnerotomachia Poliphili, considerata uno dei capolavori della storia dell'editoria, e pochi anni dopo iniziò a pubblicare i classici in formati piccoli e maneggevoli, antesignani del moderno libro tascabile. 
Ma la sua eredità va ben oltre. Insieme a Francesco Griffo mise a punto caratteri tipografici di straordinaria eleganza e introdusse l'uso del corsivo per le sue edizioni portatili. A Manuzio si devono inoltre innovazioni che oggi fanno parte della nostra quotidiana esperienza di lettura: il frontespizio con il nome dell'autore e il titolo dell'opera, la marca editoriale, la numerazione delle pagine, gli indici e la diffusione di alcuni segni di punteggiatura. Per lui un libro non doveva essere soltanto utile e leggibile, ma anche bello. 
Attraverso testi, immagini, oggetti e contenuti multimediali e interattivi, la mostra ricrea l'universo della stampa e conduce il visitatore nel cuore del laboratorio editoriale di Manuzio, in una Venezia divenuta la grande capitale europea del libro.
Un invito a riscoprire un oggetto che ha cambiato il mondo e l'uomo che, più di cinquecento anni fa, immaginò un'idea sorprendentemente moderna: leggere per il semplice piacere di leggere.

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Carissimo Pinocchio. Diseñadores y artistas gráficos italianos rediseñan el títere más famoso del mundo. | Carissimo Pinocchio. Designer e grafici italiani ridisegnano il burattino più famoso del mondo

¿Quién no conoce a Pinocchio? Desde que Carlo Collodi dio vida al célebre títere de madera, sus aventuras han atravesado generaciones, lenguas y fronteras hasta convertirlo en uno de los personajes italianos más reconocidos y queridos en todo el mundo. Pero ¿qué ocurre cuando su inconfundible silueta y su nariz interminable se encuentran con la creatividad del diseño contemporáneo?
Carissimo Pinocchio, exposición curada por Giulio Iacchetti y concebida por el ADI Design Museum, celebra la extraordinaria vigencia de este icono universal de la literatura a través de la mirada de diseñadores y artistas gráficos italianos. El resultado es un recorrido sorprendente, lúdico y caleidoscópico que demuestra cómo un personaje nacido hace más de un siglo sigue despertando nuevas ideas y formas de expresión. 
La exposición reúne objetos de diseño inspirados en Pinocchio y una amplia selección de proyectos creados especialmente para la muestra. Decenas de diseñadores reinterpretan al personaje a través de la madera, jugando con su forma, sus contradicciones y su capacidad de transformación, mientras otros tantos proyectos de diseño gráfico exploran visualmente los grandes temas del relato de Collodi: la mentira y la verdad, la libertad, el crecimiento, la identidad y el deseo de convertirse en un “niño de verdad”. 
Entre imaginación, ironía y experimentación, Carissimo Pinocchio establece así un diálogo entre literatura, diseño y cultura visual, revelando la sorprendente modernidad de un personaje que continúa, sin perder nunca su identidad.
Una oportunidad para reencontrarse con Pinocchio como nunca antes: a través de la creatividad del diseño, y bajo la mirada de los herederos contemporáneos de Geppetto, quizá el primer diseñador italiano de la historia.

Chi non conosce Pinocchio? Da quando Carlo Collodi diede vita al celebre burattino di legno, le sue avventure hanno attraversato generazioni, lingue e confini, fino a trasformarlo in uno dei personaggi italiani più riconosciuti e amati nel mondo. Ma cosa accade quando la sua inconfondibile silhouette e il suo naso interminabile incontrano la creatività del design contemporaneo?
Carissimo Pinocchio, mostra curata da Giulio Iacchetti e ideata da ADI Design Museum, celebra la straordinaria attualità di questa icona universale della letteratura attraverso lo sguardo di designer e grafici italiani. Ne nasce un percorso sorprendente, giocoso e caleidoscopico, capace di mostrare come un personaggio nato oltre un secolo fa continui a generare nuove idee e nuove forme espressive. 
La mostra riunisce oggetti di design ispirati a Pinocchio e un'ampia selezione di progetti realizzati appositamente per l'esposizione. Decine di designer reinterpretano il personaggio attraverso il legno, giocando con le sue forme, le sue contraddizioni e la sua capacità di trasformarsi, mentre altrettanti progetti di graphic design esplorano visivamente i grandi temi del racconto di Collodi: la bugia e la verità, la libertà, la crescita, l'identità e il desiderio di diventare un «bambino vero». 
Tra immaginazione, ironia e sperimentazione, Carissimo Pinocchio costruisce così un dialogo tra letteratura, design e cultura visiva, rivelando la sorprendente modernità di un personaggio che continua a reinventarsi senza perdere mai la propria identità.
Un'occasione per incontrare Pinocchio come non lo avete mai visto: attraverso la creatività del design italiano e lo sguardo degli eredi contemporanei di Geppetto, forse il primo designer italiano della storia.

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Estadios. Arquitectura y Mito | Stadi. Architettura e Mito

Catedrales del deporte, monumentos urbanos, lugares de la memoria colectiva. Los estadios son mucho más que simples edificios destinados a las competiciones: son espacios donde arquitectura, espectáculo y sociedad se encuentran, capaces de reunir a decenas de miles de personas y transformar un acontecimiento deportivo en una experiencia compartida.
Estadios. Arquitectura y mito invita al público a descubrir la historia y la evolución de una de las tipologías arquitectónicas más fascinantes de la modernidad. Desde las grandes arenas de la antigüedad hasta los recintos contemporáneos, el recorrido muestra cómo estos edificios han interpretado épocas, ideologías y transformaciones sociales, convirtiéndose en símbolos de las ciudades y escenarios privilegiados de pasiones, rituales e identidades colectivas.
A través de proyectos, imágenes, maquetas y testimonios, la exposición presenta algunos de los estadios más célebres e innovadores, destacando los desafíos que arquitectos e ingenieros han enfrentado para construir lugares capaces de combinar monumentalidad y funcionalidad, seguridad y espectáculo. Pero también cuenta lo que sucede en las gradas: el sentido de pertenencia, la fuerza de las comunidades, las emociones y los recuerdos que transforman un edificio en un lugar mítico.
El estadio aparece, así como un extraordinario laboratorio de arquitectura y sociedad. Un organismo que cambia junto con las ciudades, experimenta nuevas tecnologías, modifica el paisaje urbano y continúa interrogándose sobre su futuro, entre sostenibilidad, innovación y nuevas formas de vivir el espectáculo deportivo.
Una exposición capaz de atraer a los apasionados de la arquitectura, el deporte y la cultura contemporánea y de ofrecer una mirada sorprendente sobre lugares que millones de personas conocen, frecuentan y aman. Porque cada estadio guarda una historia, y cada gran partido puede transformar la arquitectura en memoria y al público en protagonista.

Cattedrali dello sport, monumenti urbani, luoghi della memoria collettiva. Gli stadi sono molto più di semplici edifici destinati alle competizioni: sono spazi in cui architettura, spettacolo e società si incontrano, capaci di accogliere decine di migliaia di persone e trasformare un evento sportivo in un’esperienza condivisa.
Stadi. Architettura e mito invita il pubblico a scoprire la storia e l’evoluzione di una delle più affascinanti tipologie architettoniche della modernità. Dalle grandi arene dell’antichità agli impianti contemporanei, il percorso racconta come questi edifici abbiano interpretato epoche, ideologie e trasformazioni sociali, diventando simboli delle città e scenari privilegiati di passioni, rituali e identità collettive.
Attraverso progetti, immagini, modelli e testimonianze, la mostra presenta alcuni degli stadi più celebri e innovativi, mettendo in luce le sfide affrontate da architetti e ingegneri per costruire luoghi capaci di coniugare monumentalità e funzionalità, sicurezza e spettacolo. Ma racconta anche ciò che accade sugli spalti: il senso di appartenenza, la forza delle comunità, le emozioni e i ricordi che trasformano un edificio in un luogo mitico.
Lo stadio emerge così come uno straordinario laboratorio di architettura e società. Un organismo che cambia insieme alle città, sperimenta nuove tecnologie, modifica il paesaggio urbano e continua a interrogarsi sul proprio futuro, tra sostenibilità, innovazione e nuovi modi di vivere lo spettacolo sportivo.
Una mostra capace di coinvolgere appassionati di architettura, sport e cultura contemporanea e di offrire uno sguardo sorprendente su luoghi che milioni di persone conoscono, frequentano e amano. Perché ogni stadio custodisce una storia e ogni grande partita può trasformare l’architettura in memoria e il pubblico in protagonista.

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Cubo cultura. El mundo nos habla como un gran libro | Cubo cultura. Il mondo ci parla come un grande libro

“El mundo nos habla como un gran libro”. La frase de Umberto Eco, lema de la participación de Italia como País Invitado de Honor en la FIL Guadalajara, se convierte en una experiencia para vivir desde dentro.
Cubo cultura invita al público a entrar en un espacio inmersivo donde imágenes, palabras, sonidos y movimiento se encuentran para crear una narración audiovisual envolvente. Gracias a una tecnología de pantallas LED de alta resolución que transforma las paredes del cubo en una gran superficie visual, el visitante deja de ser un simple espectador para encontrarse en el centro del relato. 
El proyecto parte de una idea tan sencilla como poderosa: el mundo es un libro abierto que podemos aprender a leer. Sus páginas son los paisajes y las ciudades, las obras de arte y la arquitectura, la literatura, la música, la ciencia, el diseño, las personas y las ideas que viajan y atraviesan fronteras.
A través de una narración audiovisual a 360 grados, el Cubo propone un viaje por una Italia que no se contempla como una imagen inmóvil, sino como una cultura viva y en constante transformación: una cultura que nace de una extraordinaria herencia, dialoga con el presente y se proyecta hacia el futuro.
La experiencia inmersiva convierte así el espacio en un lugar de descubrimiento, donde diferentes lenguajes se cruzan, y las imágenes construyen conexiones inesperadas. Porque leer el mundo significa también mirarlo desde nuevas perspectivas, dejarse sorprender y descubrir los vínculos que nos unen.
Entra en el Cubo, mira a tu alrededor y déjate llevar. El mundo tiene infinitas historias que contar. Italia te invita a descubrir una de ellas.

«Il mondo ci parla come un grande libro». La frase di Umberto Eco, scelta come lemma della partecipazione dell'Italia in qualità di Paese Ospite d'Onore alla FIL Guadalajara, diventa un'esperienza da vivere dall'interno.
CUBO CULTURA invita il pubblico a entrare in uno spazio immersivo dove immagini, parole, suoni e movimento si incontrano per dare vita a una narrazione audiovisiva avvolgente. Grazie a una tecnologia di schermi LED ad alta risoluzione che trasforma le pareti del cubo in un'unica grande superficie visiva, il visitatore non è più un semplice spettatore, ma si ritrova al centro del racconto. 
Il progetto nasce da un'idea semplice e potente: il mondo è un libro aperto che possiamo imparare a leggere. Le sue pagine sono i paesaggi e le città, le opere d'arte e l'architettura, la letteratura, la musica, la scienza, il design, le persone e le idee che viaggiano e attraversano i confini.
Attraverso un racconto audiovisivo a 360 gradi, il Cubo propone un viaggio in un'Italia che non viene presentata come un'immagine immobile, ma come una cultura viva e in continua trasformazione: una cultura che nasce da un patrimonio straordinario, dialoga con il presente e si proietta verso il futuro.
L'esperienza immersiva trasforma così lo spazio in un luogo di scoperta, dove linguaggi diversi si incrociano e le immagini costruiscono connessioni inattese. Perché leggere il mondo significa anche osservarlo da prospettive nuove, lasciarsi sorprendere e scoprire i legami che ci uniscono.
Entra nel Cubo, guardati intorno e lasciati trasportare. Il mondo ha infinite storie da raccontare. L'Italia ti invita a scoprirne una.